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PINTURA AL OLEO
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Fondo instantáneo.
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es una técnica pictórica
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Esta técnica fue la
utilizada preferentemente por los artistas de la pintura flamenca
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Transparencia.
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Uso de capas.
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En primer lugar, el artista
se disponía a preparar la pared para recibir la pintura (imprimación)
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Métodos y técnicas para pintar
al óleo
“Algo
que me entusiasma bastante cuando hablo de la pintura al óleo es recordar las
grandes posibilidades y ventajas que tiene sobre muchos otros tipos de
pinturas.
El óleo se esparce suavemente sobre la superficie
haciendo del pintar un momento verdaderamente relajante pues no tenemos en
mente la angustia que se generaría si la pintura se secara rápidamente.
Es como si el tiempo se detuviera mientras nuestra mano danza rítmicamente con
el pincel.
También es verdaderamente maravilloso cuando mezclamos
los colores para formar unos nuevos, como si lleváramos a
cabo un acto de magia, enlazándolos y generando transiciones tan suaves que no
podemos percibir cuando un color pasa a ser otro.
Podemos regalarle a nuestro lienzo capas tan delgadas
como las veladuras o tan gruesas como los impastos, hacer una obra
meticulosamente elaborada en varias sesiones y con previos estudios, o una obra
fugaz pero bien lograda en “Alla prima”,
Y como ya mencioné algunos términos que podrían ser
poco familiares, veremos una breve descripción de estas técnicas para
pintar al óleo, que luego en futuros artículos explicaremos en detalle y con
ejemplos prácticos.
Estas técnicas por lo general se complementan y se
superponen entre sí, pero para su entendimiento las describiremos por separado.
Métodos según el número de sesiones y capas de pintura
Pintura
Indirecta, húmedo sobre seco o pintura por capas
Es la técnica en la que se realizan varias capas de
pintura durante varias sesiones. Se pintan primero capas delgadas y
progresivamente capas más gruesas, aplicando la regla ya vista de graso
sobre magro. Requiere de paciencia
y algo de planificación de la obra, ya que hay que esperar que las capas sequen
para continuar con las siguientes. Es el método más aplicado por
aficionados y profesionales, por sus enormes posibilidades, resultados y
flexibilidad al permitir dedicarse a varios cuadros al mismo tiempo.
Por lo general la primera capa constituye un
pre-pintado para en dar al lienzo un color de base, ya sea de forma uniforme en
toda la superficie (base tonal), como una base monocroma que marca los valores
tonales de la composición (grisalla) o una base que marca los colores base para
cada objeto de la composición. Puede ser utilizado sólo como guía o también
como elemento integral del resultado final dejándolo como fondo visible.
Su importancia radica en proporcionar luminiscencia a la obra y en dar una
unidad en la pintura con un color dominante.
La mayoría de las grandes obras clásicas son pintadas
con este método, debido a sus delicados detalles, definición en las pinceladas
y además a que aún poseían una paleta con pocos colores que les impedía una
ejecución más veloz, al tener que hacer diferentes mezclas para llegar a un
determinado tono.
LA
ANUNCIACION, Leonardo Da vinci, Renacimiento
Pintura
directa, alla Prima o húmedo sobre húmedo
Se refiere a que el cuadro queda realizado “a la
primera”, es decir al primer intento, en una sola sesión de pintura
continua, sin esperar a que se seque alguna capa para poder continuar con la
siguiente. Se aplican capas de base y las otras se aplican cuando aún las
primeras están húmedas. Dada su complejidad y habilidad requerida,
generalmente se realiza para cuadros de menor tamaño y por artistas más
experimentados. Si recuerdas los famosos capítulos de “Pintando con Bob Ross”
entenderás mejor de lo que se trata la pintura “Alla Prima”.
Vincent Van Gogh, Monet y en general
los grandes pintores impresionistas utilizaron el método de “Alla prima” para
plasmar sus obras y lo popularizaron entre los artistas.
El
Estanque de los nenúfares 1899, MONET
Iris
Lirios Van Gogh 1889
Técnicas ópticas
Veladuras
En inglés se le conoce como “glazing” por derivación
del francés “glacer”, y se ha traducido como veladura o acristalamiento.
Consiste en aplicar una capa delgada de color tranparente o semitransparente
sobre otro generalmente opaco y de un color más claro, pero siempre sobre capas
totalmente secas, por ello es para pintores verdaderamente pacientes, al
igual que para los más experimentados, ya que los colores deseados se van
formando por la adición de estas capas que se superponen, así que se debe
estudiar y conocer la forma como se llegará al resultado final, así como las propiedades
de opacidad y transparencia de los pigmentos. La pintura se mezcla con una
buena cantidad de medio para hacerla bien transparente.
Los grandes maestros de la pintura lo practicaron y
perfeccionaron, dándoles a sus obras un gran realce del color que de otra
manera no se puede obtener. La usaron para obtener hermosas tonalidades de piel
e increíble realismo a las telas y otras superficies.
Tengamos en cuenta que aunque se diga que la aplican
los más expertos, los que estamos en un proceso de aprendizaje y descubrimiento
de la pintura al óleo la podemos utilizar y experimentar, para conocer en carne
propia los más íntimos secretos de esta majestuosa técnica de pintura al óleo.
Una variante de las veladuras consiste en extender un
color cuya consistencia sea media o ligera sobre la superficie deseada y
retirándola luego con un pincel o trapo limpio, seco y áspero. Así la
pintura queda en las ranuras o partes más profundas de la superficie sobre la
que se pinta, ayudando a corregir algunos colores y dar sensación de
alejamiento y oscuridad en la sección frotada.
Cuando veamos un retrato extraordinariamente realista,
con pieles tan reales que es difícil diferenciar la imagen de una fotografía,
así como hermosas telas sedosas, satines, velos o la luz exterior atravesando
una cortina, sin duda podremos deducir que el artista aplicó unas cuantas capas
de veladuras para lograr tan magníficos resultados.
He aquí algunos ejemplos:
REVERIE
Elisabeth Sonrel 1920
Le Bandeau Rouge_ Francois Martin Kavel
Bouguereau
Linnocence
Restregado,
pincel seco o scumbling
Se obtiene aplicando el óleo sobre otra capa de
pintura seca. Se utiliza el color por lo general sin medio o diluyente,
con un pincel seco untado con poco pigmento, para lo cual se frota el pincel
cargado sobre un papel o trapo para retirar el excedente, y luego se aplica en
el lugar deseado de manera ligera y suave. De esta manera quedan pintadas
las partes más sobresalientes de la superficie. Se utiliza para efectos como
niebla, rayos de sol, objetos envejecidos, pastos, hojas de árboles, objetos
rugosos, etc. Por lo general se aplica con un color opaco sobre otro
también opaco pero de un tono más oscuro, en forma circular, lineal, punteada,
etc.
En las obras del artista contemporáneo del Reino unido,
Jeff Rowland, vemos una interesante aplicación de esta técnica para representar
la lluvia.
Back in your arms again JEFF ROWLAND
Técnicas para dar texturas y otros efectos
Impasto
Esta técnica para pintar al óleo proporciona una gran
riqueza a la obra, ya que además de percibir su color nos permite deleitarnos
con texturas y relieves, llevando la pintura a límites cercanos a la escultura.
Se realiza aplicando cantidades generosas de pintura
espesa, ya sea con una espátula de pintor o con pincel.
Se utiliza en muchas ocasiones como base para algunas
veladuras.
Vincent Van Gogh utilizó en sus
obras impastos aplicados con pinceles cargados de pintura.
Pintores contemporáneos como Leonid Afremov
(Bielorrusso 1955) y Bárbara McCann (Estadounidense 1954-2011) utilizan en
prácticamente todas sus obras la técnica del impasto con espátula.
WALTZ
Leonid Afremov
Yummy,
Bárbara McCann
Frotado
Es la técnica de dar textura con la ayuda de un papel
no absorbente u otros materiales. Se aplica una capa espesa de pintura,
se frota con el papel ya sea liso o arrugado, y luego se retira
cuidadosamente, dejando en la superficie interesantes efectos. Esta
técnica de pintura es muy utilizada en los cuadros más modernos y en los
abstractos.
También se le llama frotado o frottage a la técnica de
aplicar la pintura y luego retirar el exceso con un trapo suave.
Otras
técnicas
Existen otras técnicas para dar texturas a los
cuadros, como utilizar arena y pasta para modelar entre otros materiales.
En cuanto a las técnicas para pintar al óleo las posibilidades
son inmensas, sólo es cuestión de atreverse, experimentar y seguir algunas
pautas básicas.
Como ejemplo de las texturas en las pinturas, están
los artistas contemporáneos Andre Kohn y Alexander Sigov. Su técnica no la han
revelado ampliamente, pero se puede apreciar que le imprimen cierto relieve al
lienzo antes de proceder con la pintura. Probablemente aplican al lienzo
una capa de pasta para modelado y/o gesso. Alexander Sigov además de
óleos utiliza pinturas acrílicas y otras técnicas para llegar a tan
impresionantes resultados.
Bringing the little trouble brother home ANDRE KOHN
El
Retorno del unicornio Alexander Sigov 2012 (extracto)
Estas son las principales técnicas para pintar
al óleo, pero existen inmensas posibilidades, todo depende de nuestra
creatividad. Recuerda seguir nuestras publicaciones ya que en otros
artículos nos adentraremos en algunas de estas técnicas para pintar al óleo.”
25 Técnicas de
pintura al óleo que usted debería aprender
Antes de comenzar a pintar,
asegúrese de que tiene las herramientas adecuadas.
·
Lienzo
·
Caballete
(También puede poner tu lienzo recostado en una tabla)
·
Pintura
Gesso y/o Acrílico (Para preparar el lienzo)
·
Paleta
·
Pinturas
Óleo
·
Los
diferentes tamaños de pinceles
·
Espátula
·
Diluyente
de pintura, aguarrás o aceite de linaza
·
Trapos
o toallas
Las 25 técnicas de pintura al
óleo que usted debería dominar
1) El bloqueo de color. Bloquear en color con pinceladas
diluidas siguiendo los contornos de un objeto. Esto le permite definir los
bordes del objeto sin necesidad de utilizar la pintura más gruesa. La clave es
dar delinear los bordes del objeto con los mismos colores que se utilizarán en
el interior de la misma.
2) Fondo instantáneo. Puede utilizar un fondo pintado como
la base de la pintura. Use pintura diluida aplicada en pequeñas pinceladas.
Dibuje sobre este color base para un fondo instantáneo.
3) Transparencia. Para demostrar la transparencia de
un objeto en la pintura, debe aplicar colores opacos por encima de los colores
transparentes.
4) Uso de capas. La pintura al óleo le permite al
artista pintar por completo una y cubrir completamente con otras capas de
pintura, siempre y cuando estén secas. Si usted planea usar múltiples capas,
comience con capas delgadas de pintura en los colores más claros. Poco a poco
haga su camino hacia capas más gruesas y colores más oscuros.
5) Intensificar los colores. Diluir la pintura a diversas etapas
para crear contraste que se intensificará los colores. Diferentes densidades
del mismo color pueden ser utilizados para definir mejor la forma. Al utilizar
esta técnica, deje el color de fondo para el final. La superficie diluida del
fondo contrasta con la superficie más densa del objeto.
6) Contraste de los colores. Contraste los colores en su obra
para crear una sensación tridimensional.
7) La pintura blanca. En pinturas monocromáticas puede
agregar alivio y volumen al enfatizar los tonos blancos. Para ello, aplique
pintura blanca espesa sobre el color base. No sobre cepille la pintura blanca
en el objeto. Las marcas de pincel y sombras deben ser fáciles de ver.
8) El claroscuro. Claroscuro es una de las técnicas
más antiguas de la pintura al óleo, para llevar el volumen a un objeto. Se
centra en el movimiento de la luz a través de la superficie del objeto a través
del contraste de luz y oscuridad. Al utilizar esta técnica, las sombras deben
ser completamente negras y lo mejor es utilizar un color de fondo neutro.
9) Valor de las pinceladas. Las pinceladas también pueden
definir el volumen y la forma de un objeto. Utilice el pincel como si fuera un
lápiz. Aplique diferentes colores de pintura, como lo haría con lápices de
colores.
10) Líneas de carbón. Utilice líneas de carboncillo detrás
de un objeto de reforzar su forma y darle dimensión.
11) Color saturado. El uso del color saturado es el
camino más directo para agregar forma y volumen. Para utilizar esta técnica,
sature el color tanto como sea posible en las zonas del objeto que no se
iluminan.
12) El tamaño del movimiento
del cepillo.
Diferentes tamaños de las pinceladas se pueden utilizar para definir y
diferenciar los planos, masas, los objetos y las diferentes áreas de la
pintura. Trate de experimentar con trazos largos, golpes cortos, e incluso
pequeños puntos. En general, las pinceladas más pequeñas representarán los
objetos más cercanos en el primer plano.
13) Las irregularidades de la
mezcla de pintura.
Añada un efecto de textura a su pintura dejando marcas de color en su mezcla de
pintura. Estas irregularidades pueden añadir interés a su pieza.
14) Follaje. Al pintar el follaje, los trazos del
pincel pueden representar hojas. Los tonos de las hojas pueden variarse
mediante la adición de pintura más o menos diluida.
15) Puntillismo. Para una mirada impresionista en su
pintura, trate de usar esta técnica de puntillismo. Esta consta de dar pequeños
toques de pintura de forma sistemática a través de toda la tela para conseguir
una textura uniforme y continua.
16) Pinceladas informales. Intente usar pinceladas informales
que no siguen un patrón y se ejecutan en diferentes direcciones. Estos golpes
deben cubrir el lienzo en racimos fluidos de color. Esta técnica se puede
utilizar con la pintura tanto espesa como diluida.
17) Las pinceladas no
representativas.
Utilice una pincelada libre de representación u obligación alguna. Esto
significa que los golpes pueden ir fuera de las líneas del objeto que se está
definiendo. Los trazos crearán tanto el dibujo y el color al mismo tiempo.
18) La textura suave. Cree una sensación suave en su
objeto con pinceladas borrosas e irregulares. Frote el cepillo contra el
soporte para conseguir una textura esponjosa.
19) Cristal transparente. Para sugerir una consistencia de
cristal o vidrio transparente, mantenga el color de la pintura puro y añada
contraste estratégico. Agregue los colores oscuros y contrastantes de último
para sugerir la densidad.
20) Metal. Para crear el efecto de metal
brillante, se debe contrastar negro contra el blanco. Pintar las zonas más
oscuras del objeto con negro diluido y luego aplicar un poco de blanco diluido
a lo largo de las pinceladas negras para mezclar. Aplique toques de blanco puro
de último para destacar las reflexiones sobre el metal.
21) Monocromática. Trate de crear una pintura
monocromática. Elija un color base de la amplia variedad de tonos que puede
hacer. Las diferentes intensidades de color serán determinadas por la pintura
diluida.
22) Colores fríos. Trate de trabajar sólo con colores
fríos como los verdes, grises y azules. Utilice un poco de colores cálidos para
crear un contrapunto en la pieza.
23) Los colores
complementarios. Los principales colores
complementarios son el amarillo y violeta, azul y naranja, y rojo y verde.
Cuando se mezclan estos colores crean gris, pero cuando están uno junto al
otro, crean un fuerte contraste. Considere el uso de colores complementarios en
su trabajo.
24) Piel. La piel humana no tiene un color específico.
Los artistas usan combinaciones y diferentes armonías de colores para crear el
color de la piel humana. En su mayoría trate de usar colores cálidos, con un
toque de colores fríos para lograr esta apariencia.
25) Paisaje de sombras. Al pintar sombras en paisajes,
utilice colores fríos como los azules, violetas, morados y grises.”
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